“Flores, Carne” de Viva Belgrado se erige como uno de los trabajos más potentes y frescos que ha dado nuestro país en los últimos años. Desde Córdoba con una propuesta original, en ocasiones lleno de rabia post hardcore, y en otras, suave y meticuloso rock instrumental. Hablamos con Cándido, voz y guitarra de la banda.
The Backstage: “Flores, Carne” ha sido increíblemente bien recibido tanto por los críticos como por fans. ¿Cómo fue el proceso de composición del disco? “El Invierno” también fue bien recibido y no sé si eso os ayudo.
Cándido: Tampoco es algo a lo que le demos excesiva importancia, pero quizás al ser un disco se le haya prestado más atención. El proceso fue bastante natural. Normalmente llevamos alguna idea de casa y la desarrollamos improvisando en el local, pero siempre hay mucho trabajo de casa. Las letras son lo último que incorporamos y en función de ellas alargamos o acortamos partes, camuflamos más o menos arreglos, etc.
Desde “El Invierno” a “Flores, Carne” la voz ha cogido más importancia, ¿Es algo natural del proceso de composición de las canciones o un elemento diferenciador dentro de que el EP fue más “post-rock”?
Creo que es el resultado de haber cogido más confianza con el paso del tiempo. Aunque por otro lado, creo que es el factor que más nos diferencia de otras bandas, quizás por eso hayamos querido hacer más hincapié en él. Aún así, hay mucho metraje instrumental, especialmente después de la primera mitad.
Mi primera sensación al escuchar “Flores, Carne” fue una mezcla entre Touche Amore y La Dispute con toques de Explosions in the Sky ¿Qué tipo de música escucháis u os influencia? ¿Os asustan estas comparaciones?
Eso nos halaga, son grupos a los que admiramos mucho. Es obvio que estamos muy influenciados por esas bandas y toda la nueva hornada de emo, pero aunque suene a cliché escuchamos prácticamente de todo: desde Nujabes a Deafheaven pasando por Kase.O hasta Camarón o cosas más obvias como Toundra.
Si no recuerdo mal, Pedro y tú teníais un proyecto de folk-indie. ¿Lo seguís teniendo? ¿Como es el transito de un estilo a otro desde dentro?
Bueno, realmente no sé si llamarlo proyecto suena demasiado rimbombante. Simplemente hacemos versiones de canciones que nos gustan tipo Bright Eyes, Damien Jurado, Elliot Smith, etc., para cuando nos apetece hacer algo más tranquilo en el concierto de algún amigo, alguna cena o historias similares. Lo divertido es precisamente el tránsito porque nos olvidamos de pedales, amplis y micros (insistimos en tocar a pelo) y nos oxigena un poco de la banda.
Entre el título del álbum y algunas de las letras, “Flores, Carne” parece tener un tema sobre relaciones personales muy concretas como es superar una perdida ¿Es así?
Una o varias, pero en general sí, casi todas las canciones hablan de algún modo u otro sobre la pérdida y cómo lidiar con ella. Precisamente el título del disco pretende expresar una dualidad en la pérdida: por un lado el dolor y el sufrimiento, y por otro el entender esos procesos de malestar como una experiencia inherente a la vida y en cierto modo incluso aprender a disfrutarlos, masticarlos para que “florezcan” en algo positivo, en nuestro caso, canciones.
Siguiendo con las letras, aunque sean muy poéticas, las considero como muy personales ¿Alguna vez habéis deseado no haber escrito algo una vez que los temas se desarrollan en directo?
Como canta Carlos Desastre en un tema de Lisabö, te diría que “desearía no haber escrito esta canción”. Si te refieres a un tema de vergüenza por exponer parte de mi vida privada, creo que las letras tienen muchas interpretaciones y al menos en nuestro caso no son demasiado explícitas. De cualquier modo, es inevitable que las personas cercanas a mí siempre acaben sabiendo de qué hablan las canciones por muy encriptadas que estén.
Incluso me da la sensación de que las canciones están colocadas en un orden preciso con la intención de que se pueda seguir el hilo. El inicio es más duro, el final es más tranquilo ¿Es asi como lo concebisteis?
Digamos que “Flores, Carne” no es un disco conceptual porque no hay una historia ordenada detrás de las canciones, pero si un concepto que las une. Inevitablemente, como a un poemario, hay que darle cierto orden para que cobre sentido tanto estético como narrativo. En ese sentido, “Báltica” y “De Carne y Flor” hacen de prólogo para el resto de temas, igual que “Córdoba, 2014” cierra el disco a modo de epílogo con una pregunta abierta. El resto de canciones podrían verse como pequeños poemas relacionados con el concepto general del disco, pero cada una lidiando con su propia historia.
Me resulta curioso que seáis de Córdoba porque en una escena tan reducida como es la nacional, cuando no eres de Madrid o Barcelona cuesta destacar ¿Lo habéis sentido así?
Internet ha cambiado muchas cosas y una de ellas es esa. Pero sigue siendo difícil en varios sentidos. Por ejemplo, nosotros hemos crecido sin prácticamente ir a conciertos, mucho menos si hablamos de géneros minoritarios como el punk o el hardcore. No hemos tenido una escena de la que mamar, ni ejemplos cercanos de generaciones anteriores influenciados por estos géneros o el DIY. Casi todas nuestras influencias han llegado a nosotros a base de curiosidad buscando a través de la red o revistas. Por otro lado creo que eso nos ha hecho sudar tinta y superarnos poco a poco para ir creciendo.
Y el disco está editado en Japón, ¿Falta de oportunidades aquí? Comentadnos como surge todo eso. Incluso fuiste a Tokio y aprovechaste para hacer algunos repertorios acústicos.
Lo de Tokio suena muy rimbombante pero realmente no tiene ningún misterio. Tokyo Jupiter es un sello DIY llevado por una persona, no hay contratos ni historias del estilo de por medio. Simplemente nos llevaba siguiendo en Bandcamp desde que descubrió nuestra demo y con “El Invierno” se animó a contactarnos para ofrecernos la posibilidad de publicar un recopilatorio con las dos primeras referencias. Mi viaje a Tokio ya estaba planeado con anterioridad y fue una casualidad muy bonita pero fortuita.
A la hora de grabar, en un primer momento lo hacéis con Juan Blas en Westline, y para el disco os decantáis por Santi García de Ultramarinos Costa Brava. ¿Qué han aportado al sonido de la banda?
Con Juan siempre hemos acabado muy contentos y trabajar con él es un placer. Pero ya habíamos estado 3 veces en su estudio y queríamos probar la forma de trabajar de otras personas. Santi García tenía todas las papeletas por su trabajo con Daïtro, Nothink, Standstill, etc y como el calendario cuadraba lo cerramos sin dudarlo. A nivel de sonido se ha ocupado de que la grabación sonara lo mejor posible, además de proponer un par de arreglos con claves y shakers en un par de temas, pero no ha metido mano en las composiciones.
En Abril salís a Europa a sitios en los que no habíais estado, aunque hace unos meses ya estuvisteis en Francia y Suiza, ¿Cómo os fue por allí? Os he leído decir que hay más público y más gente involucrada, el merch se vende más rápido y hay más infraestructuras para organizar cosas de este estilo.
Por supuesto depende del sitio. En Francia por ejemplo no hemos visto tanto cambio respecto a España, pero en general en Alemania y Suiza sí hemos notado un cambio positivo. Tampoco hemos salido tanto, así que supongo que es una pregunta que podremos responderte con el tiempo.
¿Que expectativas tenéis de la próxima gira?
Supongo que siempre tenemos las mismas: viajar, conocer gente, sonar cada vez mejor y no perder dinero.
¿Algún plan inmediato después de esta gira?
Tenemos un par de proyectos que ya iremos desvelando, así que seguramente nos recluyamos para trabajar en nuevos temas unos meses. En otoño tenemos planeado volver a girar, pero está aún por concretar.